Exposiciones fotográficas

Esta serie fotográfica, que continúa en proceso, documenta a la madre de Elise y la relación que mantiene con ella. Trata de mostrarnos, a través de la narrativa fotográfica, los diálogos, momentos de intimidad y la gran cercanía con su “modelo”. La artista utiliza su cámara como pretexto para redefinir el vínculo materno. A partir de sus rituales cotidianos, mira a su madre tal y como es, es decir, una mujer por derecho propio y no solo una madre.

Las imágenes muestran el deseo que tiene una madre de revelar a su hija, una fotógrafa, los cambios físicos y emocionales que está experimentando. El proyecto es a la vez personal y universal, ya que ambos sujetos se exponen entre sí, a la vez que la fotógrafa hace lo propio consigo misma. Una relación íntima y sensual entre madre e hija se revela a través de la sucesión de retratos y bodegones.

La práctica de Elise Corten explora principalmente los temas de la intimidad, identidad y memoria a través de proyectos fotográficos de larga duración.

Su obra se ha podido ver en varias exposiciones y publicaciones internacionales, como Portrait of Humanity (Reino Unido), Hangar Photo Art Center (BE) y Helsinki Photo Festival (FI), entre otras.

Aquest projecte rendeix homenatge a un tipus de dona molt específic. La “bata” és el vestit de treball que utilitza. Aquesta dona era la matriarca en una societat fortament patriarcal. Criada per a cuidar de la seva família, poques vegades pensava en els seus propis somnis. Parlem d’un grup poc representat i poc apreciat. Vull donar-li una veu i l’homenatge que es mereix. Aquest tipus de dona està en perill d’extinció, igual que la “bata”. A Espanya són la darrera generació. Les sessions de fotos de la sèrie són una aventura creativa on aquestes dones entren en un estat de joc sense ni tan sols adonar-se’n. Les retrato en els seus pobles, dins de les seves cases i llocs de treball. Trenquen les seves fortes rutines mentals i de temps. Es transformen i, a la vegada, transformen el seu entorn.

Crec en una zona màgica durant les nostres sessions en les que les “dones de bata” se senten lliures d’expressar la seva bogeria creativa. El projecte és en sí mateix una experiència d’apoderament. Aquest és el veritable homenatge i no només les imatges finals. La bata és el punt entorn al qual gira el meu estudi. A partir d’aquí, analitzo qüestions de gènere, canvis sociopolítics en la societat i paisatges humans. Aquestes dones han format part de la meva infància. La força i l’afecte són les qualitats que les defineixen. La meva generació ha estat criada per elles. Però nosaltres, les dones modernes, hem canviat els nostres rols. Cada pas endavant necessita una mirada cap enrere per a veure allò que estem deixant enrere i entendre cap a on volem anar. L’humor és un component important al meu treball. És la porta d’entrada per arribara diferents nivells d’interpretació. Per a aquest projecte documental vaig viatjar a un poble de l’Espanya profunda: Villarmienzo, perdut entre les planúries de blat i pràcticament deshabitat per la despoblació i l’èxode rural. Vaig convèncer a sis dones locals de 80 anys per a que es deixessin retratar per mi. Les vaig vestir amb les clàssiques “bates” i també vaig incloure algunes elegants dissenyades per mi. És un projecte documental a l’estil del que jo anomeno “Antropologia Fantàstica”. Aquest terme es refereix a la ciència de l’estudi del ser humà, barrejat amb una aproximació conceptual (fantàstica). Els personatges són reals però hi ha una intervenció des de l’exterior i cert nivell de participació i joc amb l’auto-representació. Aquí veiem el capítol u d’un projecte en curs,tot i que independent en sí mateix, ja que s’exhibeix i publica com una història consistent. L’estudi està destinat a créixer a través de diverses ubicacions geogràfiques, narrant diferents històries i experimentant a cada capítol un estil diferent de representació.

Lucía Herrero va estudiar Arquitectura, Fotografia i Teatre Físic. La seva obra fotogràfica ha guanyat premis internacionals i el seu estil en fotografia documental / artística ha interessat comissaris i editors de tot el món. Les imatges de Lucia s’exhibeixen a nivell internacional en museus, galeries i festivals de fotografia. Durant els darrers anys ha desenvolupat un enfocament de la fotografia documental anomenat per ella “Antropologia Fantàstica”. És una barreja entre ciències socials i intervenció artística. Retrata persones i cultures amb elements dramàtics i fantàstics.

Destiny es un proyecto fotográfico que surge de una experiencia personal.
Cuando éramos niños, solíamos jugar mucho al fútbol en el barrio donde crecí. Cuando llegamos a la secundaria, nos separamos. Sin embargo, la historia de un amigo cercano me había dejado una profunda impresión. Su padre vino a verlo un día para explicarle que ya no podía mantener a la familia, le pidió que abandonara la escuela y comenzara a trabajar como aprendiz de carnicero.
Mi amigo tenía 14 años, y su elección de profesión y vida quedaron sellados por el determinismo socioeconómico.

M’hammed Kilito (Marruecos)
El trabajo del fotógrafo M’hammed Kilito aborda cuestiones relacionadas con la identidad cultural y la condición humana. Es National Geographic Explorer y miembro de la African Photojournalism Database. Contribuye a Everyday Middle East and North Africa. El trabajo de M’hammed ha sido presentado en numerosos países y publicado en diferentes revistas alrededor del mundo.

Decir que la vida se mueve deprisa es una infravaloración.
La gente pasa por la vida de una manera intransigente, con un paso caótico
pasando por encima y absorbiendo cualquier cosa en su camino
El tiempo en la ciudad parece fluir más rápido, los recuerdos en la ciudad
parecen desvanecerse más rápido.

Nada parece quedarse inmutable en una ciudad.

Un informe de la ONU sugiere que hacia 2050 la población mundial llegará a los 10.000 millones, con tres cuartas partes de la humanidad viviendo en nuestras ya sobrepobladas ciudades.

Este proyecto examina el entorno intenso y caótico de una de las ciudades más densamente pobladas del mundo, Hong Kong.

Zhou Hanshun (Singapur)
Zhou HanShun es fotógrafo y director de arte. Utiliza la fotografía como una forma de explorar, investigar y documentar la cultura y gente de las ciudades en que ha vivido. Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente.

Este trabajo es una contribución al ejercicio prospecto de la memoria de Chile. La violencia de estado y la respuesta de un pueblo desarmado o equipado con artillería hechiza, fue el espacio en donde encontré una retórica importante para registrar y resignificar. La fotografía se volvió entonces la trinchera desde donde elegí denunciar y combatir. Este documental es un registro de la memoria de un gobierno que declaró la guerra y actuó en consecuencia. De un pueblo en silencio que despertó y que hoy sigue en la lucha.

Diseñador gráfico, documentalista y profesor de diseño. Nacido en 1989, Santiago de Chile.

Instagram: @andrievmechowski

Portafolio: https://andresmellado.myportfolio.com/

Las guerras son seguramente una de las peores lacras que acompañan la humanidad desde siempre. Además de las muertes y destrucción que generan, suelen tener consecuencias mucho más duraderas, como la miseria, el hambre y las enfermedades; y más tarde una cicatriz que perdura varias generaciones.

Oriente Medio ha sido, por su importancia estratégica, el escenario de diferentes guerras muy cruentas, entre territorios o por la intervención de grandes potencias en aras de salvaguardar la paz mundial. Por ello se ha convertido en una de las regiones más inestables del planeta.

Algunos testimonios como el autor lo han vivido en directo y nos han enseñado una de peores caras de la humanidad.

En la exposición “El reencuentro de las almas”, Jorge Delgado-Ureña y Christelle Enquist hacen hincapié en el Nepal mas desconocido, compartiendo su experiencia de asistir a la inauguración del monasterio conmemorativo a Milarepa (figura importante de la historia del Budismo) en Manang, inaugurado el pasado 4 de noviembre 2019 por el venerable Choje Lama Phuntsok Rinpoche. Si bien es un documento del evento, el trabajo fotográfico también representa la visión personal de estos dos fotógrafos de la esencia del budismo, que a menudo va más allá de los estereotipos.

Jorge y Christelle son fotógrafos con sede en Barcelona, España. En 2016 viajaron a Nepal por primera vez y se inspiraron tanto en el país, la cultura y su gente, que fundaron Raw Photo Tours. El objetivo principal de sus viajes era traer fotógrafos internacionales a Nepal y guiarlos tanto en fotografía como en descubrir el país que les robó el corazón. Desde entonces, han organizado viajes fotográficos a Nepal dos veces al año y han ampliado ese concepto a países como Marruecos, Cuba, India e Indonesia.

Una selección de las fotos están en venta en: https://www.rawphototours.com/fine-art-prints/

Durante los primeros años de mi carrera como fotógrafo, me enfoqué en la imaginería religiosa de algunas culturas tradicionales, sobre todo desde la perspectiva de la sicología arquetipal. En los últimos veinticinco años he trabajado con más de treinta y cinco culturas originarias de los cinco continentes (incluyendo los Sàmi del norte de Europa y los Maorí, de Nueva Zelanda)

En el año 2000 supe, de manera fortuita, que mi bisabuela paterna había sido indígena, perteneciente a un grupo que desapareció completamente, bien por el exterminio directo, bien por el mestizaje. Surgió una urgencia en mí de indagar sobre sus creencias, su mitología, su cosmogonía. Pero no quedó ni rastro. Por esta razón, me propuse un proyecto de vida: investigar sobre las mitologías de grupos originarios americanos que han sobrevivido hasta la actualidad y proponer una iconografía para sus dioses, antes de que desaparezcan del todo. Estos grupos están en zonas remotas, generalmente bastante aislados y para el desarrollo del proyecto he contado con el apoyo de los chamanes, maestros y sabios de las comunidades en las que he estado.

Así, desde el año 2001 hasta el presente, he incluido once culturas indígenas de seis países, y he realizado más de ochenta imágenes basadas en los mitos, leyendas y creencias de estos grupos. Todas las imágenes han sido posteriormente enviadas a las comunidades donde trabajé, para sus escuelas o sitios comunales. Y cada persona retratada ha recibido la imagen que con ella realicé.

La investigación ha consistido en indagar sobre las mitologías de los grupos con los que voy a trabajar, a partir de los textos escritos por antropólogos. Luego, en las comunidades, mis aliados han sido los sabios y maestros, que me han ido describiendo y asesorando en la manera de hacer cada icono: me indican qué personas de la comunidad podrían ser las más idóneas para representar cada deidad y qué atributos o elementos serían los más indicados para integrar a la imagen. Así, el trabajo de campo consiste en realizar los retratos con los que luego, en mi taller, ensamblo digitalmente cada pieza.

En un lapso menor de veinte años, he visto comunidades desaparecer bajo las aguas de una gran represa (A´ukre, comunidad Kayapó de Brasil), estar amenazadas por la minería y el turismo (comunidades Quero del Perú), por el narcotráfico (Huichol, de México), o la evangelización (Piaroa y Pemón, de Venezuela). Los Dioses de América se están yendo para siempre a una velocidad mayor de lo que yo creía inicialmente, y con ellos, una parte esencial de la humanidad –de todos nosotros- se hundirá irremediablemente en el olvido o, peor aún, en la ignorancia. Mi trabajo es a contra-reloj y el camino aún es largo.

Antonio Briceño
Junio 2018

El espacio cambia alrededor de las líneas de ferrocarril que permanecen, generaciones después de su construcción.

Fluyendo hacia la distancia o cortando a través de una imagen, los raíles nos dejan asombrados; y, sin embargo, su línea confiada nos ancla a nuestro camino. Las estaciones una vez concurridas se sienten abandonadas, objetos de orgullo estético olvidado.

En otros lugares, las vías fluyen a través de pasos montañosos inmutables. La serie de fotografías «Railroad Landscapes» examina el entorno olvidado de las vías de los ferrocarriles de Estados Unidos.

De lo urbano a lo rural, Sanderson se propuso examinar las vías existen como una fuerza narrativa dentro del marco, mirando también a los lugares que describen nuestra historia colectiva.

Arraigado en su pasión por el diseño arquitectónico e histórico, este proyecto ha estado en marcha durante doce años.

Las fotografías fueron tomadas con una cámara tradicional con película de 8×10 pulgadas durante un largo viaje por los Estados Unidos de América.

John Sanderson (1983, Estados Unidos) se siente atraído por paisajes topográficos amplios, característicos de los Estados Unidos de América. Es allí donde se siente más creativo. Sus fotografías reconcilian los motivos estadounidenses de la impermanencia y la expansión dentro del paisaje contemporáneo.

Sus proyectos incluyen temas como el transporte, el ocio, la residencia, la industria y la decadencia. Haber crecido en Midtown Manhattan, NY, ha influenciado gran parte de su trabajo, que está arraigado en una pasión por el diseño arquitectónico.

Captura fotografías con diferentes cámaras de película de gran formato para cada proyecto.

Las fotografías de Sanderson han sido publicadas en muchas revistas y periódicos como PDN Magazine, Slate Magazine, BBC News, The Wall Street Journal, Lenscratch y NBC News. Sus obras forman parte de varias colecciones privadas y públicas.

john-sanderson.com
@johnsandersonphotographer

Con la colaboración de VM Foto